{"id":2596,"date":"2022-11-21T13:12:22","date_gmt":"2022-11-21T12:12:22","guid":{"rendered":"http:\/\/the-fite.com\/?page_id=2596"},"modified":"2022-11-21T15:09:48","modified_gmt":"2022-11-21T14:09:48","slug":"2022-imagine","status":"publish","type":"page","link":"http:\/\/the-fite.com\/en\/2022-imagine\/","title":{"rendered":"2022 – Imagine"},"content":{"rendered":"
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2022 - IMAGINE<\/h1>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Amina Agueznay<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9e en 1963, \u00e0 Casablanca (Maroc).\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tAmina Agueznay s\u2019est orient\u00e9e vers des \u00e9tudes d\u2019architecture, dipl\u00f4m\u00e9e en 1989. Elle a poursuivi plusieurs travaux d\u2019architecte aux \u00c9tats-Unis dans les ann\u00e9es 1990. En parall\u00e8le, elle a suivi un cours de joaillerie qui a marqu\u00e9 son travail artistique. Puis elle revient au Maroc et son travail s\u2019achemine vers un univers entre le design et l\u2019art. Elle collabore avec des artistes pour concevoir des bijoux. \u00c0 la demande du minist\u00e8re de l\u2019artisanat marocain, elle cr\u00e9e des ateliers de professionnalisation pour les artisans. Elle s\u2019engage dans la voie de la transmission. Elle int\u00e8gre les techniques des artisans dans son approche artistique. Elle conjugue techniques d\u2019architecture\/bijouterie\/orf\u00e8vrerie avec les savoir-faire ancestraux des tisserandes marocaines. Elle fait dispara\u00eetre les barri\u00e8res entre art et artisanat. \t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Garance Alves<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9e en 1993, \u00e0 Clermont-Ferrand (France).\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tElle vit et travaille \u00e0 Bruxelles (Belgique) et Clermont-Ferrand (France). Elle obtient en 2015 un Dipl\u00f4me National d\u2019Art Plastique, \u00e0 l\u2019\u00c9cole Sup\u00e9rieure d\u2019Art de Clermont M\u00e9tropole. En 2017, elle valide un Master en Dessin, \u00e0 l\u2019\u00c9cole Sup\u00e9rieure des arts visuels de la Cambre \u00e0 Bruxelles (Belgique). Son travail pluridisciplinaire tourne autour du concept de \u00ab seconde peau \u00bb. Elle travaille \u00e0 partir d\u2019objets du quotidien et en particulier de v\u00eatements, envisag\u00e9s comme des vecteurs de fragments d\u2019histoires, r\u00e9v\u00e9lant en partie leurs propri\u00e9taires. Son \u0153uvre prend racine dans la repr\u00e9sentation de l\u2019absence du corps humain avec plusieurs techniques : dessin, photo, installation. Elle semble collectionner nos absences physiques, laissant na\u00eetre en nous un sentiment d\u2019ins\u00e9curit\u00e9. \t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Jo\u00ebl Andrianomearisoa<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9 en 1977, \u00e0 Antananarivo (Madagascar).\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t Il vit et travaille \u00e0 Paris, en Creuse et \u00e0 Madagascar. Il se forme \u00e0 l\u2019\u00c9cole d\u2019Art de Madagascar et obtient dans les ann\u00e9es 2000 un dipl\u00f4me de l\u2019\u00c9cole Sp\u00e9ciale d\u2019Architecture de Paris. Son travail s\u2019exprime \u00e0 travers diff\u00e9rents m\u00e9diums et mat\u00e9riaux, cherchant \u00e0 donner forme \u00e0 des r\u00e9cits non explicites, souvent abstraits. Son approche plurielle – de la sculpture aux installations, de l\u2019artisanat aux \u00e9critures, du textile aux collaborations in\u00e9dites – s’inspire de ces essences malgaches aux influences diverses. Impr\u00e9gn\u00e9es d\u2019exp\u00e9riences \u00e9motionnelles complexes, ses \u0153uvres d\u00e9licates et ambigu\u00ebs sont comme des exercices en constante \u00e9volution. Elles prennent en compte l\u2019esth\u00e9tique et l\u2019architecture des sentiments que nous percevons tous mais n\u2019arrivons pas \u00e0 nommer. En 2019, il repr\u00e9sente Madagascar \u00e0 la Biennale de Venise. Il inaugure deux sculptures publiques \u00e0 Antananarivo en 2021 avec la complicit\u00e9 du Fonds Yavarhoussen. Il est fondateur et directeur artistique de Hakanto Contemporary \u00e0 Antananarivo, espace ind\u00e9pendant pour artistes soutenu par le Fonds Yavarhoussen.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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COMPAGNIE<\/h5>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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Cie Anou Skan<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tCompagnie de danse cr\u00e9\u00e9e en 1993 et bas\u00e9e \u00e0 Lyon (France)\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tfond\u00e9e par Sophie Tabakov et Laurent Soubise. Sophie Tabakov s\u2019est form\u00e9e \u00e0 la danse contemporaine, \u00e0 la danse classique et au chant. En 2003, elle s\u2019initie \u00e0 la Danse du Tournoiement, qu\u2019elle poursuit avant d\u2019enclencher une pratique r\u00e9guli\u00e8re et autonome, au sein de la compagnie Anou Skan et de d\u00e9velopper une pratique originale, avec Laurent Soubise, tiss\u00e9e de toutes ses exp\u00e9riences et croisements artistiques. Elle apprend le daf, l\u2019instrument sacr\u00e9 qui accompagne la Danse du Tournoiement. Anou Skan m\u00eale la rencontre avec les cultures du monde, la transmission et la cr\u00e9ation, avec des th\u00e9matiques philosophiques et po\u00e9tiques principalement autour de l\u2019exil et du mouvement. L\u2019objectif de la compagnie est la cr\u00e9ation d\u2019\u00e9v\u00e8nements publics multiculturels utilisant la danse, le chant, la lumi\u00e8re ou encore le silence.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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GROUPE<\/h5>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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Baltos Kandys (White Moths)<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tLe groupe White Moths, en fran\u00e7ais \u00ab Les mites blanches \u00bb, est compos\u00e9 de six artistes textiles (Aust\u0117 Jurgelionyt\u0117-Varn\u0117, Karolina Kun\u010dinait\u0117, Migl\u0117 Lebednykait\u0117, Laura Pavilonyt\u0117-E\u017eerskien\u0117, Rasa Leonavi\u010di\u016bt\u0117, Julija Vosyli\u016bt\u0117) qui travaillent ensemble depuis 1998.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tDe 1995 \u00e0 2001-2002, les membres du groupe ont \u00e9tudi\u00e9 \u00e0 l’Acad\u00e9mie des Arts de Vilnius, au d\u00e9partement textile. Elles sont titulaires de dipl\u00f4mes de licence et master en art. Elles con\u00e7oivent des expositions, des \u00e9v\u00e9nements \u00e9ducatifs et des sc\u00e9nographies de projets. Le nom du groupe \u00e9voque le feutre fait et peint \u00e0 la main constituant des objets en 3D. Leurs cr\u00e9ations comprennent des objets grand format comme des sculptures et des petits formats pour des int\u00e9rieurs ou des espaces ouverts. Elles remplacent souvent les champs graphiques et les ornements traditionnels par des couleurs vives et contrast\u00e9es. Elles exp\u00e9rimentent des technologies de peinture de la soie ou de la laine. Le feutre devient objets sculpt\u00e9s, compositions, installations, photographies, vid\u00e9os et accessoires divers.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Vanessa Barrag\u00e3o<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9e en 1991, \u00e0 Albufeira (Portugal)\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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Vanessa Barrag\u00e3o a suivi des \u00e9tudes de stylisme \u00e0 Lisbonne. Elle a choisi de se concentrer sur le domaine textile et les savoir-faire ancestraux. Marqu\u00e9e par la d\u00e9gradation \u00e9cologique des fonds marins et l\u2019impact polluant du secteur textile, elle adapte son travail aux besoins de l\u2019\u00e9cologie. Elle utilise des r\u00e9sidus textiles r\u00e9cup\u00e9r\u00e9s pour alerter sur l\u2019\u00e9tat de la nature qui nous entoure. Elle s\u2019inspire des r\u00e9cifs coralliens pour cr\u00e9er des univers picturaux presque magiques, utilisant le crochet, le macram\u00e9, le tissage, la broderie, le tricot pour explorer les traditions textiles. Elle \u00ab essaie d\u2019inciter les gens \u00e0 changer afin d\u2019aider \u00e0 am\u00e9liorer la sant\u00e9 de notre terre \u00bb.\u00a0<\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Elisabeth Berthon<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9e en France. Elle vit et travaille \u00e0 Lyon (France).\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tApr\u00e8s des \u00e9tudes de mod\u00e9lisme \u00e0 la Chambre Syndicale de la Haute Couture, elle exerce au sein des Maisons Saint-Laurent et Lagerfeld (Chanel). Puis elle cr\u00e9e sa griffe Lola Bastille. Au cours d\u2019un voyage autour du monde en voilier, elle d\u00e9couvre en Nouvelle-Z\u00e9lande le feutre de laine fait \u00e0 la main. Depuis, elle travaille cette mati\u00e8re et est devenue l\u2019une des rares feutri\u00e8res fran\u00e7aises, reconnue pour les qualit\u00e9s esth\u00e9tiques et techniques de sa production fait main. C\u2019est un processus lent, qui requiert concentration, \u00e9nergie physique et connaissances techniques auxquelles elle s\u2019est form\u00e9e aupr\u00e8s d\u2019\u00e9leveurs, filateurs, tondeurs et feutri\u00e8res. La tra\u00e7abilit\u00e9 des laines qu\u2019elle utilise est capitale pour elle. Elle fabrique des v\u00eatements et objets \u00e0 partir d\u2019un nouveau proc\u00e9d\u00e9 d\u2019impression v\u00e9g\u00e9tale et de teinture botanique \u00e9cologique.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Egl\u0117 Ganda Bogdanien\u0117<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9e en 1962, \u00e0 Vilnius (Lituanie).\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tElle est dipl\u00f4m\u00e9e de l’Acad\u00e9mie des arts de Vilnius, d\u00e9partement textile. Elle a poursuivi son cursus et am\u00e9lior\u00e9 ses comp\u00e9tences \u00e0 l’Universit\u00e9 d’art et de design d’Helsinki, au West Dean College of Arts (Royaume-Uni), \u00e0 Konstn\u00e4rernas Kollektivverkstad \u00e0 Stockholm, au centre de tissage Tasara en Inde. Elle a pr\u00e9sent\u00e9 30 expositions individuelles et particip\u00e9 \u00e0 plus de 100 expositions collectives en Lituanie, aux \u00c9tats-Unis, au Royaume-Uni, en France, en Allemagne, en Pologne, en R\u00e9publique dominicaine, en Su\u00e8de, en Lettonie, en Estonie, \u00e0 Taiwan\u2026 Elle est professeur et vice-rectrice des \u00e9tudes \u00e0 l’Acad\u00e9mie des arts de Vilnius et membre de l’Association des arts lituaniens.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Johanna Bramble<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9e en 1976, en France.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t Elle vit et travaille au S\u00e9n\u00e9gal. Elle est artiste et designer textile. Form\u00e9e \u00e0 l’\u00c9cole Sup\u00e9rieure des Arts Appliqu\u00e9s Duperr\u00e9, puis \u00e0 l’Atelier National d’Art Textile de l’\u00c9cole Nationale Sup\u00e9rieure de Cr\u00e9ation Industrielle \u00e0 Paris. Elle se sp\u00e9cialise en cr\u00e9ation textile au National Institut of Design d’Ahmedabad en Inde. Attir\u00e9e par la richesse textile du S\u00e9n\u00e9gal, elle installe son atelier \u00e0 Dakar et travaille en collaboration avec des tisserands s\u00e9n\u00e9galais qui utilisent les techniques traditionnelles de tissage. En 2009, elle cr\u00e9e le label Johanna Bramble Cr\u00e9ations ainsi qu’un atelier de tissage avec des m\u00e9tiers \u00e0 tisser traditionnels s\u00e9n\u00e9galais. Elle met ainsi \u00e0 l’honneur les tissus manjak, dont la fabrication n\u00e9cessite la collaboration d’un tisserand et d’un assistant. En parall\u00e8le de son travail d\u2019artiste, elle offre des formations autour du tissage pour l\u2019autonomisation des femmes.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Gustavo Caboco <\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9 en 1989, \u00e0 Curitiba (Paran\u00e1, Br\u00e9sil).\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tIl a grandi dans un environnement urbain avec les histoires de sa m\u00e8re, Wapichana, originaire de la terre indig\u00e8ne de Canauanim. Elle a quitt\u00e9 son village \u00e0 dix ans en 1968. Les histoires qui accompagnent ce trajet de retour que l\u2019artiste et sa m\u00e8re ont entrepris en 2001 sur ce territoire, ont trac\u00e9 le destin de l\u2019artiste. Caboco ou caboclo renvoie \u00e0 une identit\u00e9 insaisissable. Il s\u2019agit d\u2019un \u00e9l\u00e9ment culturel incontournable de l\u2019Amazonie br\u00e9silienne contemporaine. Ce terme de caboco, polys\u00e9mique, peut concerner le m\u00e9tissage entre europ\u00e9ens blancs et am\u00e9rindiens. Gustavo Caboco a trouv\u00e9 dans le dessin, l\u2019\u00e9criture, la broderie, le son et l’\u00e9coute, des moyens de dialoguer avec les r\u00e9alit\u00e9s et l’identit\u00e9 indig\u00e8nes. Il explore les moyens de r\u00e9fl\u00e9chir au d\u00e9placement des corps indig\u00e8nes, ainsi que les formes de (re)connexion avec les territoires indig\u00e8nes originaux et les questions m\u00e9morielles.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Sabine Cibert<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9e en 1956, en France. Elle vit et travaille \u00e0 Lyon (France).\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tApr\u00e8s une formation d\u2019architecte et une carri\u00e8re dans la gestion de projets en urbanisme, elle se tourne vers la cr\u00e9ation textile. Son itin\u00e9raire est riche d\u2019un double parcours professionnel et artistique, entre architecture et pratique textile. Elle se forme aux techniques traditionnelles du quilt. Elle assemble des fragments de textiles pour cr\u00e9er des compositions en relief de grand format, \u00e9vocations contemporaines des tapisseries classiques. Affranchie des r\u00e9f\u00e9rences du quilt traditionnel, elle invente un vocabulaire personnel par l\u2019agencement de textiles tr\u00e8s vari\u00e9s, collectionn\u00e9s durant des ann\u00e9es. Inspir\u00e9es des forces de la nature, ses compositions constituent une transposition des forces telluriques et sonores de paysages int\u00e9rioris\u00e9s. Son travail privil\u00e9gie ainsi la dynamique du changement d\u2019\u00e9tat et du devenir. Son regard se porte particuli\u00e8rement sur la colorim\u00e9trie. \t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Arnaud Cohen<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9 en 1968, \u00e0 Paris (France).\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tArnaud Cohen est un artiste contemporain franco-portugais, sculpteur et plasticien. Il commence sa carri\u00e8re d’artiste plasticien en 1997 en int\u00e9grant la Galerie Marwan Hoss (Paris et Bruxelles). \u00c0 l’\u00e9poque, sa pratique est enti\u00e8rement tourn\u00e9e vers le collage, utilisant tous les mat\u00e9riaux existants, se refusant \u00e0 peindre ou \u00e0 sculpter pour \u00ab r\u00e9sister \u00e0 toute tentation d\u00e9corative \u00bb. Dans ses collages, on trouve des traces de sa vie personnelle et des pense-b\u00eates, ou des affiches \u00e9rotiques. S\u2019il traite des m\u00eames sujets de pr\u00e9dilections (la responsabilit\u00e9 individuelle dans le cadre de l\u2019\u00e9dification de destins collectifs), son travail \u00e9volue dans les ann\u00e9es 2000. Il s\u2019interroge sur la possibilit\u00e9 de parler d’art autrement (comment \u00e9chapper \u00e0 la loi du march\u00e9 ?), mettant en avant toujours les m\u00eames artistes, les m\u00eames collections, les m\u00eames lieux, \u00ab souvent au profit d’une communication de groupe \u00bb.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Lucile Drouet<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9e en 1983, en France. Vit et travaille \u00e0 Do\u00eblan (France).\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tLucile Drouet est une artiste, tisserand de sons et designer textile. Elle est la fondatrice du studio Loxiale. Inspir\u00e9e par la nature et la connexion avec l’environnement, elle travaille comme chercheuse et exploratrice pour donner une pr\u00e9sence \u00e0 la vibration, au rythme et au mouvement dans le textile. Elle utilise des mati\u00e8res et des teintures naturelles. Depuis ces quatre derni\u00e8res ann\u00e9es, l’essence de son travail s’articule avec le li\u00e8ge.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Severija In\u010dirauskait\u0117-Kriaunevi\u010dien\u0117<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9e \u00e0 en 1977, \u00e0 Vilnius (Lituanie).\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tAvec deux parents artistes, Severija a pu plonger avec aisance dans l\u2019expression de sa cr\u00e9ativit\u00e9. Apr\u00e8s avoir obtenu son dipl\u00f4me d’\u00e9tudes textiles (2003) \u00e0 l’Acad\u00e9mie des arts de Vilnius (VAA) et obtenu le dipl\u00f4me de licence d’art, elle enseigne au d\u00e9partement textile de la VAA depuis 2005. Elle s\u2019est d\u2019abord tourn\u00e9e vers le textile pour cr\u00e9er des costumes. Puis elle commence \u00e0 travailler le m\u00e9tal en 2004, trouvant les tissus \u00ab trop souples \u00bb. Elle pr\u00e9f\u00e8re les \u0153uvres en trois dimensions, difficiles \u00e0 obtenir avec des tissus. Elle se tourne vers des objets qui portent en eux une histoire, qui existent par eux-m\u00eames. Elle les transforme pour en explorer une autre facette. Elle a choisi le point de croix, le point le plus simple et le plus universellement utilis\u00e9. Elle aime ainsi associer deux arts bien diff\u00e9rents pour parler de la condition humaine. Sortir la broderie, source d\u2019apaisement, pour la disposer sur des objets rigides, masculins, permet \u00e0 Severija de bousculer les codes. \t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Lina Jonike<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9e en 1969, \u00e0 Kaunas (Lituanie).\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t En 1987, elle est dipl\u00f4m\u00e9e de l’\u00e9cole secondaire d’art J. Naujalis (sp\u00e9cialit\u00e9 graphisme). En 1988-90, elle se perfectionne dans l’atelier priv\u00e9 d’anatomie et de peinture d’Aismutis Aleksandravi\u010dius. En 1989-95, elle \u00e9tudie \u00e0 l’Acad\u00e9mie des arts de Vilnius et \u00e0 l’Institut des arts de Kaunas, o\u00f9 elle obtient la sp\u00e9cialit\u00e9 d’artiste textile. L’artiste participe \u00e0 des expositions depuis 1993. Elle cr\u00e9e des \u0153uvres d’art contemporain en utilisant des moyens artistiques textiles comme la broderie. Lina est une brodeuse conceptuelle. Elle d\u00e9bute en brodant des corps, des photos de corps imprim\u00e9es sur tissu. Son objectif principal est la recherche de l’identit\u00e9. Certaines de ses \u0153uvres sont brod\u00e9es sur toile tandis que d’autres cr\u00e9ent l’illusion d’un travail d’aiguille traditionnel. Les relations, l’identit\u00e9 nationale et l’histoire de la Lituanie, les conflits de g\u00e9n\u00e9rations ou les souvenirs sont des sujets importants pour elle.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Morta Jonynait\u00e9<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9e en 1995, en Lituanie.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tMorta est dipl\u00f4m\u00e9e en 2020 de l\u2019Acad\u00e9mie Gerrit Rietvield d\u2019Amsterdam. Elle se concentre sur les \u00e9l\u00e9ments les moins visibles et saisissables du monde, afin de composer de nouveaux r\u00e9cits et de transcender notre perception de la r\u00e9alit\u00e9. Elle cr\u00e9e des installations atmosph\u00e9riques et tactiles, qui invitent les visiteurs \u00e0 s’\u00e9chapper de leur rythme quotidien. Avec un soin particulier pour les techniques artisanales et textiles, les \u00e9l\u00e9ments coexistent dans une histoire coh\u00e9rente. R\u00e9cemment, elle s\u2019est concentr\u00e9e sur les ph\u00e9nom\u00e8nes de transition dans le monde – comme l’espace entre la mer et le rivage. Son principal objectif avec ses \u0153uvres est d’offrir une br\u00e8ve \u00e9vasion de la p\u00e9riode chaotique que nous vivons dans un moment ludique et tranquille.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Majida Khattari <\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9e en 1966, au Maroc.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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Elle vit et travaille \u00e0 Paris (France). Fondant son travail sur la dialectique du visible et de l\u2019invisible, de la pr\u00e9sence et de l\u2019absence et de la dimension politique du corps de la femme, Majida Khattari propose des photographies sensuelles sur lesquelles des femmes portent des <\/span>burqa<\/span><\/i>, <\/span>hijab<\/span><\/i> et <\/span>niqab<\/span><\/i>. La volupt\u00e9 des drap\u00e9s, la richesse des motifs appliqu\u00e9s et des techniques utilis\u00e9es servent ici un discours critique sur le regard ext\u00e9rieur, blanc, occidental et masculin qui f\u00e9tichise, exotise et f\u00e9minise \u00e0 outrance l\u2019exp\u00e9rience v\u00e9cue de celles qui portent le voile. Ce retournement du regard occidental doit se lire dans la lign\u00e9e des travaux d\u00e9coloniaux amen\u00e9s par Edward Sa\u00efd et permet \u00e0 l\u2019artiste de rendre compte des pr\u00e9jug\u00e9s occidentaux.\u00a0<\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Rieko Koga<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9e en 1971. Elle vit et travaille \u00e0 Paris (France).\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tInstall\u00e9e \u00e0 Paris depuis 2004, Rieko Koga exprime spontan\u00e9ment son art \u00e0 travers les fils et les aiguilles, sans travail pr\u00e9paratoire. Ce langage intime, po\u00e9tique et secret est le fruit d\u2019une pratique spirituelle de la broderie. Elle y inscrit ses r\u00eaves, ses pri\u00e8res et ses souvenirs. Mat\u00e9rialisant ses pens\u00e9es dans la r\u00e9alit\u00e9, les impr\u00e9gnant dans un espace concret, elle donne \u00e0 voir son univers au public qui le traverse.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Guda Koster <\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tGuda Koster vit et travaille entre Amsterdam (Pays Bas) et Berlin (Allemagne).\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tApr\u00e8s des \u00e9tudes en sculpture et textile, elle d\u00e9cide de combiner ces deux directions. Artiste visuelle, elle r\u00e9alise des installations, sculptures, performances et photographies dans lesquelles les v\u00eatements jouent le r\u00f4le central. Elle utilise des couleurs vives, des v\u00eatements aux motifs graphiques qu\u2019elle met en sc\u00e8ne, \u00ab des sculptures vivantes \u00bb qu\u2019elle immortalise en photo. Ainsi, les v\u00eatements, formes d’art visuel, expriment la fa\u00e7on dont nous nous percevons et notre relation au monde. Ses \u0153uvres sont empreintes du quotidien, d’une l\u00e9g\u00e8re critique sociale, d’ironie et d’humour. Elle aime jouer avec l’illusion et le contraste entre le visible et l’invisible. Les visages cach\u00e9s derri\u00e8re de petites maisons, des formes g\u00e9om\u00e9triques ou certains signes sociaux ou religieux, effacent les fronti\u00e8res entre les personnes et leur environnement.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Mehdi-Georges Lahlou <\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9 en 1983, aux Sables d\u2019Olonne (France).\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tFranco-marocain, il vit et travaille \u00e0 Bruxelles, Paris, Casablanca et Ath\u00e8nes. Il est form\u00e9 \u00e0 l\u2019\u00c9cole R\u00e9gionale des Beaux-Arts de Nantes (ERBAN), puis \u00e0 l\u2019Acad\u00e9mie Sint-Joost \u00e0 Breda (Pays-Bas). Son esth\u00e9tique est transversale comme ses supports (photographie, vid\u00e9o, sculpture, installation, performance\u2026). L\u2019individu, le genre et la repr\u00e9sentation sont au fondement de ses \u0153uvres. De ces mises en sc\u00e8nes surr\u00e9alistes et transgressives, des corps et des objets \u00e9mergent. Corps, espace et m\u00e9moire composent chacune de ses performances, de ses sculptures ou de ses images. Toutes concourent \u00e0 une \u00e9vocation d\u00e9tourn\u00e9e de r\u00e9f\u00e9rences culturelles, de convictions religieuses ou d\u2019attributs sociaux. S\u2019affranchissant des st\u00e9r\u00e9otypes, il travestit son corps comme les traditions. Il n\u2019est pas question de \u00ab choc des cultures \u00bb mais d\u2019un double enfermement : sortir d\u2019une culture, c\u2019est \u00eatre confront\u00e9 \u00e0 une autre culture qui enferme \u00e0 nouveau.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Chunghie Lee <\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9e en 1945. Elle vit et travaille \u00e0 New York (\u00c9tats-Unis).\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tElle est artiste de renomm\u00e9e internationale, conf\u00e9renci\u00e8re et \u00e9crivaine. Apr\u00e8s une licence et un master des Beaux-Arts de l’Universit\u00e9 Hongik \u00e0 S\u00e9oul (Cor\u00e9e du Sud), elle \u00e9tudie \u00e0 la Rhode Island School of Design en 1994, et enseigne les arts textiles cor\u00e9ens dans cette m\u00eame \u00e9cole depuis 1999. Son travail artistique se concentre sur la beaut\u00e9 cach\u00e9e de la vie de femmes sans nom. Ses \u0153uvres inspir\u00e9es du Pojagi ou Bojagi (Po-jah-ki, tissu d’emballage traditionnel cor\u00e9en) comprennent des installations et des v\u00eatements en 2D et 3D. Souvent, ses v\u00eatements deviennent un dialogue interactif avec des installations architecturales qu’elle r\u00e9alise pour des sites sp\u00e9cifiques. \t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Artist<\/h5>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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Krista Leesi<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9e en 1966, \u00e0 Kressaare (Estonie).\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tKrista Leesi est artiste textile et designer. Son travail combine la tradition artisanale estonienne avec les techniques et formes d’expression de l’art contemporain. Elle est membre du d\u00e9partement de design textile de l’Acad\u00e9mie des arts d’Estonie, o\u00f9 elle enseigne l’art et le design textiles. Elle consid\u00e8re le motif comme \u00ab un langage qu\u2019[elle] connai[t] ou un outil de travail qu[\u2018elle] peu[t] utiliser \u00bb et qui raconte une histoire. Elle con\u00e7oit des motifs r\u00e9p\u00e9titifs pour une production \u00e0 grande \u00e9chelle. Dans ses projets artistiques personnels, elle subvertit les techniques traditionnelles : crochet, broderie, etc. en utilisant des mat\u00e9riaux jetables ou de tous les jours. Son approche est ludique. Elle est l’auteur de nombreux ouvrages, dont un livre o\u00f9 la terminologie textile est analys\u00e9e \u00e0 travers le langage des objets.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Artist<\/h5>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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Rom\u00e9o Mivekannin<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9 en 1986, \u00e0 Bouak\u00e9 (C\u00f4te d\u2019Ivoire).\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tIl vit et travaille en France et au B\u00e9nin. Il est artiste, peintre et \u00e9crivain. Apr\u00e8s des \u00e9tudes en \u00e9b\u00e9nisterie et histoire de l\u2019art, il int\u00e8gre l\u2019\u00c9cole nationale sup\u00e9rieure d\u2019architecture de Toulouse, dont il est dipl\u00f4m\u00e9 en 2015. Apr\u00e8s une th\u00e8se au sujet de \u00ab L\u2019Afrique post coloniale, m\u00e9moire et photographie : des lieux au B\u00e9nin \u00bb, il poursuit ses recherches. Il exp\u00e9rimente divers supports de la sculpture \u00e0 la peinture et construit sa d\u00e9marche artistique. Il int\u00e8gre ses cr\u00e9ations au sein d\u2019une temporalit\u00e9 ancestrale, fabriquant ses propres rituels, en \u00e9cho \u00e0 la cosmologie vaudou du B\u00e9nin. \u00c0 l\u2019image d\u2019un rite initiatique, l\u2019artiste plonge les draps qui composent le fond de ses \u0153uvres dans diff\u00e9rents bains de solutions rituelles, certaines d\u2019entre elles ayant \u00e9t\u00e9 enterr\u00e9es \u00e0 certains endroits du monde, en lien avec l\u2019histoire de la colonisation. Le temps de ces draps, h\u00e9rit\u00e9s et us\u00e9s, se m\u00eale aux temporalit\u00e9s \u00e9voqu\u00e9es par les sujets de ses toiles. La m\u00e9moire et le temps deviennent la mati\u00e8re de ses \u0153uvres.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Pascal Monteil <\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9 en 1968, en France.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tIl vit et travaille en France. Apr\u00e8s des \u00e9tudes \u00e0 l\u2019Ecole des Beaux-arts de Nantes, \u00e0 Cergy-Pontoise et \u00e0 la Villa Arson, Pascal Monteil d\u00e9bute un long voyage en Asie qui durera trente-cinq ans. En 2017 suite \u00e0 l\u2019exposition \u00ab Je ne reconnais pas le soleil \u00bb \u00e0 Tarascon, il installe son atelier \u00e0 Arles. Alors que les nouvelles technologies occupaient une place pr\u00e9pond\u00e9rante au d\u00e9but de son parcours artistique, Pascal Monteil utilise d\u00e9sormais la broderie comme seul moyen d\u2019expression. Les motifs qu\u2019il brode m\u00ealent les civilisations et se nourrissent de ses nombreux voyages. Il cr\u00e9e des espace-temps invitant \u00e0 une exp\u00e9rience d\u2019ouverture vers l\u2019alt\u00e9rit\u00e9 et le cosmos.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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C\u00e9cile Ndiaye<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tC\u00e9cile Ndiaye vit et travaille \u00e0 Dakar (S\u00e9n\u00e9gal).\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tElle d\u00e9veloppe une d\u00e9marche artistique dans laquelle le design, l\u2019artisanat et l’art cohabitent en permanence dans un syst\u00e8me de pens\u00e9e engag\u00e9 et responsable. Elle se nourrit en continu des cultures locales, des traditions artisanales et des ressources disponibles dans son environnement, et en fait sa propre lecture pour proposer de nouvelles narrations. A travers son travail elle acquiert, documente et exp\u00e9rimente des connaissances et des techniques traditionnelles du cuir en Afrique de l’Ouest. Par ailleurs, elle cr\u00e9e la maison de maroquinerie \u00ab Studio Wud\u00e9 \u00bb. Attach\u00e9e au mieux-\u00eatre social et individuel par l’expression collective, la valorisation des comp\u00e9tences endog\u00e8nes et la capacit\u00e9 \u00e0 cr\u00e9er de la valeur, elle ne cesse de faire \u00e9voluer les processus de cr\u00e9ation et d\u2019organisation afin que Studio Wud\u00e9 soit pour chaque artisan un lieu d’invention et d’affirmation, un catalyseur de talents, un r\u00e9v\u00e9lateur des possibles.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Laima Orzekauskiene<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9e en 1959, \u00e0 Vilnius (Lituanie).\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tElle \u00e9tudie \u00e0 l\u2019Institut d\u2019Art d\u2019\u00c9tat et obtient la sp\u00e9cialit\u00e9 d\u2019\u00ab artiste textile \u00bb. Devenu Institut d\u2019Art de Kaunas en 1980, depuis 1987 elle y est charg\u00e9e de cours, depuis 1996, elle dirige le d\u00e9partement textile et depuis 2007, o\u00f9 elle enseigne. Laur\u00e9ate du prix culturel national, elle est membre de l\u2019union des artistes lituaniens. Son travail s\u2019attache aux traditions et signes de la vie quotidienne. Les t\u00e2ches banales et quotidiennes, les motifs et les occupations des gens lui donnent des id\u00e9es. Elle voit le reprisage comme un rituel traditionnel textile. Sur le plan technique et visuel, ses \u0153uvres sont bas\u00e9es sur des techniques traditionnelles et d’anciens motifs de rayures lituaniennes, tout en utilisant le tissage.. \t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Egl\u00e8 Ridik\u00e1it\u0117<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9e en 1966, \u00e0 Kupi\u0161kis (Lituanie). Elle vit et travaille \u00e0 Vilnius (Lituanie).\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tElle obtient en 1997 une ma\u00eetrise au d\u00e9partement peinture de l’Acad\u00e9mie des arts de Vilnius. Egl\u00e8 est peintre conceptuelle et d\u00e9veloppe une technique originale, combinant des m\u00e9thodes issues du graffiti et de la peinture traditionnelle. Depuis les ann\u00e9es 1990, elle expose en Lituanie et \u00e0 l’\u00e9tranger. Sa s\u00e9rie de peintures, We Are Guests, repr\u00e9sente les fragments mis au jour de la Grande Synagogue de Vilna, et constitue un rare exemple de traitement de la m\u00e9moire collective et du patrimoine juif dans l’art contemporain lituanien. Les enqu\u00eates sur cette pr\u00e9sence et cette absence, men\u00e9es par des artistes contemporains ont largement contribu\u00e9 aux discussions sur la m\u00e9moire collective et sa cartographie contemporaine \u00e0 Vilnius et ailleurs. En 2020, elle re\u00e7oit le plus haut prix national lituanien de la culture et des arts pour avoir soulign\u00e9 l’importance du patrimoine culturel dans la peinture contemporaine.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Rossy de Palma <\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9e en 1964, \u00e0 Palma de Majorque (Espagne).\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tRosa Echave, Rossy de Palma est une artiste autodidacte et pluridisciplinaire surtout connue en tant qu\u2019actrice. Apr\u00e8s avoir cr\u00e9\u00e9 un groupe musical en 1984, elle rencontre Pedro Almodovar qui lui donne son premier r\u00f4le au cin\u00e9ma dans La loi du d\u00e9sir. S\u2019en suivront quatre r\u00f4les dans les films d\u2019Almodovar et une soixantaine de films. Tr\u00e8s vite, son physique hors du commun et son autod\u00e9rision s\u00e9duisent les cr\u00e9ateurs de mode tels que Jean-Paul Gaultier, pour qui elle sera mannequin lors du dernier d\u00e9fil\u00e9 haute couture de la maison en 2019. En tant que plasticienne, ses voyages l\u2019am\u00e8nent \u00e0 r\u00e9aliser des autoportraits masqu\u00e9s \u00e0 partir de textiles et accessoires locaux. Son corps devient ainsi le support de la m\u00e9moire de l\u2019instant et de l\u2019espace alentour.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Jurga \u0160arapova<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9e en 1965, \u00e0 Vilnius (Lituanie). \t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tElle utilise les textiles, la peinture et le dessin. Elle r\u00e9alise des masques, des costumes singuliers et des travaux graphiques. Elle ne souhaite pas r\u00e9aliser de s\u00e9ries ou de bandes dessin\u00e9es, mais veut \u00e9crire la m\u00eame chose sans jamais r\u00e9p\u00e9ter les personnages, car tout \u00eatre est unique. Sans plan pr\u00e9con\u00e7u, elle offre au spectateur curieux quelques \u00ab cl\u00e9s \u00bb de compr\u00e9hension. Son \u0153uvre est d’une immense densit\u00e9, comme des r\u00e9cifs coralliens. De mani\u00e8re sauvage, elle couvre tout ce qui l’entoure : listes d\u2019archives, coupures de journaux, emballages, etc. Le tout est incorpor\u00e9 dans les blocs multidimensionnels de dessins. Elle veut que la cr\u00e9ativit\u00e9 d\u00e9brid\u00e9e et non planifi\u00e9e \u00e9clate \u00e0 travers ses \u0153uvres. \t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Ana Silva<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9e en 1979, \u00e0 Calulo (Angola).\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tElle vit et travaille au Portugal et en Angola. Elle obtient un dipl\u00f4me de l\u2019\u00c9cole Sup\u00e9rieure Ar.co (Centre d\u2019art et de communication visuelle) de Lisbonne. Elle pratique la peinture et la sculpture et r\u00e9alise des installations. C’est d’abord par la pluralit\u00e9 des mat\u00e9riaux que s\u2019exprime la cr\u00e9ativit\u00e9 d’Ana Silva. La toile, le bois, le m\u00e9tal, l’acrylique ou le tissu sont les mati\u00e8res qui l’entourent et les m\u00e9diums de son art. Elle utilise des objets d\u00e9laiss\u00e9s et des objets ayant v\u00e9cu. Elle d\u00e9tourne l’usage des sacs en raphia ou autres napperons sur lesquels elle op\u00e8re un v\u00e9ritable travail de m\u00e9moire. Elle privil\u00e9gie la couture et associe la dentelle aux couleurs et tissus africains. Pour Ana Silva, l’art est le t\u00e9moin de sa culture m\u00e9tiss\u00e9e. Son esth\u00e9tique est une histoire d\u00e9licatement sugg\u00e9r\u00e9e derri\u00e8re les dentelles et les filets o\u00f9 se d\u00e9voilent des figures f\u00e9minines. Son art de la broderie en est impr\u00e9gn\u00e9. \u00c9galement \u00e9crivain, Ana Silva accompagne de po\u00e8mes ses s\u00e9ries.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Fatim Soumar\u00e9<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9e en 1989 \u00e0 Dakar.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tFatim Soumar\u00e9 est une artisane designer autodidacte. Elle grandit aupr\u00e8s d\u2019une m\u00e8re artisane teinturi\u00e8re et commer\u00e7ante de tissu \u00ab thioup \u00bb, et d\u00e9bute tr\u00e8s t\u00f4t l\u2019apprentissage de la couture aupr\u00e8s du tailleur de son quartier. Elle cr\u00e9e TEXMODE LAB, dans le golfe du Morbihan pour repenser l\u2019industrie textile en utilisant des mati\u00e8res d\u2019antan et respectueuses de la nature, et l\u2019exploration de fibres textile du \u00ab futur \u00bb telles que les algues. En septembre 2020, elle organise un voyage de retour aux sources au S\u00e9n\u00e9gal et d\u00e9cide de ne pas prendre le vol retour. En d\u00e9cembre 2020 elle cr\u00e9e FAL\u00c9, un label de mode durable, aujourd\u2019hui compos\u00e9 de 200 artisanes fileuses de cinq villages enclav\u00e9s de la r\u00e9gion du Sine Saloum, au sud-ouest du S\u00e9n\u00e9gal, et d\u2019un atelier lab \u00e0 Fimela. Pour l\u2019heure, la structure est d\u00e9di\u00e9e \u00e0 la cr\u00e9ation et la p\u00e9rennisation d\u2019une cha\u00eene de valeur \u00e9quitable autour du coton bio et pluvial.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Moffat Takadiwa<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9 en 1983, \u00e0 Harare (Zimbabwe).\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tIl vit et travaille dans le quartier de Mbare \u00e0 Harare, l’un des plus grands centres de recyclage et d\u2019\u00e9conomie informelle du pays. Il obtient une licence au Harare Polytechnic College en 2008. N\u00e9 apr\u00e8s l\u2019ind\u00e9pendance, son \u0153uvre traduit ses pr\u00e9occupations li\u00e9es \u00e0 la consommation, aux in\u00e9galit\u00e9s, au post-colonialisme et \u00e0 l\u2019environnement. Sa pratique artistique est un levier pour la r\u00e9habilitation de sa communaut\u00e9, il travaille avec de jeunes artistes et cr\u00e9ateurs locaux, pour fonder le premier quartier artistique au monde employant des mat\u00e9riaux reconvertis. Il cr\u00e9e des sculptures \u00e9tonnantes qui agissent comme des portraits d\u00e9cal\u00e9s du style de vie et du syst\u00e8me politique et culturel de la soci\u00e9t\u00e9 du Zimbabwe. Ses sculptures envo\u00fbtantes ressemblent de loin \u00e0 des \u0153uvres textiles conventionnelles, mais sont compos\u00e9es de fragments de d\u00e9bris humains, des canettes de soda, de brosses \u00e0 dents. Avec humour, il interroge la domination culturelle qui se lit dans la domination des produits de consommation qui envahissent le continent africain. R\u00e9pondant au mouvement Rhodes Must Fall en Afrique du Sud, qui appelle \u00e0 la d\u00e9colonisation de l’\u00e9ducation, le travail de Takadiwa sugg\u00e8re un d\u00e9mant\u00e8lement du savoir institutionnalis\u00e9 tout en formant un nouveau langage d’ind\u00e9pendance.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Peter Taylor<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tPeter Taylor Tjutjatja est n\u00e9 en 1940 et mort en 2014, \u00e0 Oodnadatta (Australie).\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tEnfant, il voyage avec son p\u00e8re, de station en station, jusqu’\u00e0 Hermannsburg, une communaut\u00e9 Arrernte occidentale dans les monts MacDonnell. Hermannsburg, dans le centre de l’Australie, est la patrie d’Albert Namatjira, le peintre aborig\u00e8ne le plus c\u00e9l\u00e8bre. Peter a \u00e9t\u00e9 influenc\u00e9 par les paysages du d\u00e9sert peints par cet artiste. Il a assist\u00e9 \u00e0 une exposition d’Albert Namatjira \u00e0 Ad\u00e9la\u00efde, ce qui lui a donn\u00e9 la nostalgie de son ancienne patrie. Il est ensuite retourn\u00e9 \u00e0 Alice Springs \u00e0 vingt ans, o\u00f9 il a commenc\u00e9 \u00e0 peindre des paysages \u00e0 l’aquarelle. Il a pass\u00e9 de nombreuses heures \u00e0 peindre aux c\u00f4t\u00e9s de Clem Abbott et Keith Namatjira, o\u00f9 il a approfondi ses comp\u00e9tences initiales en dessin et en peinture. Il a notamment \u00e9t\u00e9 charg\u00e9 par la princesse Anne de peindre cinq paysages d’Australie centrale.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Joana Vasconcelos<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9e en 1971, \u00e0 Paris (France). Elle vit et travaille \u00e0 Lisbonne (Portugal). \t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tElle est sculptrice et artiste multim\u00e9dia. Form\u00e9e \u00e0 l\u2019\u00e9cole d\u2019art Ar.co de Lisbonne entre 1989 et 1996. Son processus cr\u00e9atif est bas\u00e9 sur l’appropriation, la d\u00e9contextualisation et la subversion d’objets pr\u00e9existants et de r\u00e9alit\u00e9s quotidiennes. \u00c0 partir d’ing\u00e9nieuses op\u00e9rations de d\u00e9placement, proches du ready-made et des nouvelles grammaires r\u00e9alistes et pop, l’artiste offre une vision complice et critique de la soci\u00e9t\u00e9 contemporaine. Elle \u00e9tudie les constructions de l’identit\u00e9 collective, notamment celles se r\u00e9f\u00e9rant au statut de la femme, aux diff\u00e9rences de classe ou \u00e0 l’identit\u00e9 nationale. Elle aime les interventions in situ et dans l\u2019espace public. Elle conna\u00eet un succ\u00e8s international lors de la premi\u00e8re biennale de Venise organis\u00e9e par des femmes avec The Bride en 2005, suivie de Trafaria Praia, le premier pavillon flottant de la biennale repr\u00e9sentant le Portugal en 2013. Joana Vasconcelos est la plus jeune artiste et la seule femme jamais expos\u00e9e au ch\u00e2teau de Versailles (nombre record de 1,6 million de visiteurs). \t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Artist<\/h5>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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Jeanne Vic\u00e9rial<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9e en 1991, \u00e0 l’Isle-sur-la-Sorgue (France). Elle vit et travaille en France.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tElle est artiste et designer. Apr\u00e8s des \u00e9tudes de costumi\u00e8re et maroquinerie, puis un Master en Design v\u00eatement \u00e0 l\u2019\u00c9cole des Arts D\u00e9coratifs de Paris en 2015, elle engage une th\u00e8se de doctorat SACRe (Sciences, Arts, Cr\u00e9ation, Recherche) soutenue en 2019. Elle approfondit sa recherche par la mise au point d\u2019un proc\u00e9d\u00e9 robotique brevet\u00e9, permettant de produire des v\u00eatements sur-mesure et sans chute : le \u00ab pr\u00eat \u00e0 mesure \u00bb. Elle propose une alternative \u00e0 la surproduction de v\u00eatements, au diktat des normes qui contraignent les corps \u00e0 s\u2019adapter. Elle souhaite cr\u00e9er des v\u00eatements anatomiques au plus pr\u00e8s de nos corps. Apr\u00e8s un passage chez Hussein Chalayan, elle cr\u00e9e le studio de recherche et cr\u00e9ation Clinique vestimentaire. Elle invente le \u00ab tricotissage \u00bb : \u00e0 partir de donn\u00e9es corporelles mesur\u00e9es \u00e0 la main puis num\u00e9ris\u00e9es, elle tisse des v\u00eatements sur mesure \u00e0 partir d\u2019un seul fil recycl\u00e9. Elle initie de nombreuses collaborations avec des artistes d\u2019horizons divers.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Monika \u017daltauskait\u0117 Gra\u0161ien\u0117-\u017dalt\u0117<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tN\u00e9e en 1975, \u00e0 Kaunas (Lituanie). Elle vit et travaille \u00e0 Kaunas.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\t\t\t\t\t\tProfesseure associ\u00e9e \u00e0 la facult\u00e9 de Kaunas de l’Acad\u00e9mie des arts de Vilnius, directrice du d\u00e9partement textile et co cr\u00e9atrice de la Biennale de Kaunas. Elle a appris la technique du tissage jacquard et l’expression visuelle de son travail repose sur les principes du tissage jacquard assist\u00e9 par ordinateur. Les textiles sont sa source d\u2019impulsion cr\u00e9ative. Plus qu’un acte de cr\u00e9ativit\u00e9 f\u00e9minine et qu\u2019une technologie de fil intelligente, la \u00ab textilit\u00e9 \u00bb ne se limite pas aux textiles, mais est \u00e0 la base de tout ph\u00e9nom\u00e8ne existentiel. Elle est conceptualis\u00e9e dans le travail de l’artiste par la photographie, la sculpture et l’installation. Dans ses derni\u00e8res \u0153uvres, l’artiste r\u00e9fl\u00e9chit \u00e0 la relation entre la technique f\u00e9minine archa\u00efque du tissage et la technologie informatique, notant que le syst\u00e8me num\u00e9rique binaire des pixels est depuis longtemps encod\u00e9 dans le syst\u00e8me nou\u00e9 du tapis.\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Fite 2022 – IMAGINE artiste Amina Agueznay N\u00e9e en 1963, \u00e0 Casablanca (Maroc).Amina Agueznay s\u2019est orient\u00e9e vers des \u00e9tudes d\u2019architecture, dipl\u00f4m\u00e9e en 1989. Elle a poursuivi plusieurs travaux d\u2019architecte aux \u00c9tats-Unis dans les ann\u00e9es 1990. En parall\u00e8le, elle a suivi un cours de joaillerie qui a marqu\u00e9 son travail artistique. Puis elle revient au Maroc […]<\/p>","protected":false},"author":1,"featured_media":0,"parent":0,"menu_order":0,"comment_status":"closed","ping_status":"closed","template":"elementor_header_footer","meta":{"site-sidebar-layout":"no-sidebar","site-content-layout":"page-builder","ast-site-content-layout":"","site-content-style":"default","site-sidebar-style":"default","ast-global-header-display":"","ast-banner-title-visibility":"","ast-main-header-display":"","ast-hfb-above-header-display":"","ast-hfb-below-header-display":"","ast-hfb-mobile-header-display":"","site-post-title":"disabled","ast-breadcrumbs-content":"disabled","ast-featured-img":"disabled","footer-sml-layout":"","theme-transparent-header-meta":"default","adv-header-id-meta":"","stick-header-meta":"","header-above-stick-meta":"","header-main-stick-meta":"","header-below-stick-meta":"","astra-migrate-meta-layouts":"default","ast-page-background-enabled":"default","ast-page-background-meta":{"desktop":{"background-color":"var(--ast-global-color-4)","background-image":"","background-repeat":"repeat","background-position":"center center","background-size":"auto","background-attachment":"scroll","background-type":"","background-media":"","overlay-type":"","overlay-color":"","overlay-gradient":""},"tablet":{"background-color":"","background-image":"","background-repeat":"repeat","background-position":"center center","background-size":"auto","background-attachment":"scroll","background-type":"","background-media":"","overlay-type":"","overlay-color":"","overlay-gradient":""},"mobile":{"background-color":"","background-image":"","background-repeat":"repeat","background-position":"center center","background-size":"auto","background-attachment":"scroll","background-type":"","background-media":"","overlay-type":"","overlay-color":"","overlay-gradient":""}},"ast-content-background-meta":{"desktop":{"background-color":"var(--ast-global-color-5)","background-image":"","background-repeat":"repeat","background-position":"center center","background-size":"auto","background-attachment":"scroll","background-type":"","background-media":"","overlay-type":"","overlay-color":"","overlay-gradient":""},"tablet":{"background-color":"var(--ast-global-color-5)","background-image":"","background-repeat":"repeat","background-position":"center center","background-size":"auto","background-attachment":"scroll","background-type":"","background-media":"","overlay-type":"","overlay-color":"","overlay-gradient":""},"mobile":{"background-color":"var(--ast-global-color-5)","background-image":"","background-repeat":"repeat","background-position":"center center","background-size":"auto","background-attachment":"scroll","background-type":"","background-media":"","overlay-type":"","overlay-color":"","overlay-gradient":""}},"footnotes":""},"class_list":["post-2596","page","type-page","status-publish","hentry"],"_links":{"self":[{"href":"http:\/\/the-fite.com\/en\/wp-json\/wp\/v2\/pages\/2596","targetHints":{"allow":["GET"]}}],"collection":[{"href":"http:\/\/the-fite.com\/en\/wp-json\/wp\/v2\/pages"}],"about":[{"href":"http:\/\/the-fite.com\/en\/wp-json\/wp\/v2\/types\/page"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"http:\/\/the-fite.com\/en\/wp-json\/wp\/v2\/users\/1"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"http:\/\/the-fite.com\/en\/wp-json\/wp\/v2\/comments?post=2596"}],"version-history":[{"count":31,"href":"http:\/\/the-fite.com\/en\/wp-json\/wp\/v2\/pages\/2596\/revisions"}],"predecessor-version":[{"id":2649,"href":"http:\/\/the-fite.com\/en\/wp-json\/wp\/v2\/pages\/2596\/revisions\/2649"}],"wp:attachment":[{"href":"http:\/\/the-fite.com\/en\/wp-json\/wp\/v2\/media?parent=2596"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}